In occasione del suo live alla Parade Electronique al Teatro Arsenale di Milano, abbiamo scambiato quattro chiacchiere con Noémi Büchi, compositrice e performer franco/svizzera, che ci ha raccontato anche del suo nuovo album “Exuvie” in uscita i prossimi mesi.
Ciao Noémi. A Parade Électronique 2025 a Milano hai presentato “Live Liquefaction“, una performance con brani del tuo terzo album “Exuvie” (in uscita a febbraio 2026 su etichetta -OUS), dove giochi con la tensione tra materia e memoria. Ti avvali di una strategia sonica o compositiva specifica per tradurre questa tensione in forma, che sia nel timbro, nella spazializzazione o nell’orchestrazione?
Non direi di avere una strategia molto specifica o chiaramente definita, o almeno non chiamerei il mio approccio compositivo una “strategia”. È più un modo di lavorare, una sorta di dinamica che seguo naturalmente. La descrizione o il concetto a parole arriva sempre dopo che ho composto la musica. In altre parole, le associazioni metaforiche emergono una volta che la musica esiste già, quando comincio ad ascoltare quello che ho creato—non il contrario.
In quel senso, il mio approccio compositivo si basa molto sull’intuizione. È vero che di solito ho certe idee soniche in mente prima di iniziare a comporre, ma non mi forzo mai di concettualizzarle troppo precisamente attraverso il linguaggio, perché ho paura che questo potrebbe minare il mio impulso interno, che preferisco mantenere separato da concetti razionalizzati o basati sul linguaggio. Mi piace lavorare semplicemente ascoltando e suonando seguendo il sentimento. Le mie orecchie sono la mia strategia.
“Exuvie” attinge da mondi disparati: colonne sonore di videogiochi, anime, hip-hop, romanticismo tardivo e orchestrazione spettrale. Come navighi il rischio della frammentazione quando tessi insieme riferimenti così stratificati culturalmente?
Non so come o perché questo potrebbe essere considerato un rischio. La combinazione di molte associazioni diverse, o un’ampia gamma di influenze musicali, non rappresenta alcun rischio per me. Tutt’altro. Rivela quanto sia complessa veramente la nostra percezione della musica, e la nostra comprensione culturale e storica di essa. Spesso cerchiamo così duramente di fissare le cose al loro posto, di ridurre la musica a un unico genere, e questo è qualcosa a cui non riesco a relazionarmi. Vedo ogni pezzo di musica come parte di una lunga, interminabile catena culturale.
Ma forse se iniziamo a staccarci dalle associazioni culturali e storiche, o dall’idea dei generi musicali del tutto, allora finalmente possiamo iniziare a capire che cosa sia realmente la musica, o potrebbe essere (riferendomi a François Bonnet, The Music to Come).
Stratifichi texture di sintetizzatori analogici, toni cristallini e rumori brutali attraverso elementi orchestrali ed elettroacustici. Quale è stato il tuo setup tecnico primario per l’album, sia hardware che software, ed erano presenti sintetizzatori, processori o tecniche di registrazione specifiche?
Sì, ho sempre lavorato con un setup ibrido. Mi piace combinare sintetizzatori analogici e digitali, così come elaborazione basata su software. Da tempo sono particolarmente interessata a tecniche di re-sintesi del suono, per esempio, inviando un suono digitale in un modulo di re-sintesi analogico, o viceversa, indirizzando suoni analogici o acustici in uno strumento di re-sintesi digitale. Amo quanto possono essere imprevedibili e unici i risultati, e mi piace integrarli nelle mie strutture compositive per creare una sorta di zona sfocata in cui non è più possibile riconoscere se i suoni sono acustici, analogici o digitali.
Ti muovi fluidamente tra composizione elettroacustica, performance audiovisual, colonne sonore per film e danza, e scrittura d’insieme/orchestrale. Cosa ti hanno insegnato questi contesti sulla percezione dell’ascoltatore, e come ha questo feedback loop influenzato il tuo live set attuale?
Mi piace essere una compositrice poliedrica. Come puoi vedere dalle mie risposte precedenti, non mi piace ridurre la musica a qualcosa di specifico, e per lo stesso motivo, non voglio ridurre la mia pratica artistica a un unico approccio. Tutte queste diverse esperienze mi forniscono ispirazione; è un processo di apprendimento costante, e ogni progetto diventa una nuova scoperta arricchente.
La tua performance alla Parade è stata pochi giorni dopo il tuo concerto al Mutek in Giappone. Come costruisci il tuo live set—tecnicamente e artisticamente—quando esibisci in grandi venue rispetto a spazi piccoli o intimi, in termini di dinamica, pacing e interazione con il pubblico?
A livello tecnico, ci sono differenze molto chiare tra i due set. Al MUTEK Japan, ho presentato una performance audiovisuale in cui il video, l’illuminazione e la musica erano tutti interconnessi. Per questo motivo, l’intero set doveva essere altamente strutturato. Era più come un pezzo finito in cui interagisco e suono secondo “regole” chiaramente definite, quasi come lavorare con una partitura, che naturalmente conosco a memoria.
Per performance come Parade Électronique, d’altra parte, posso avere molta più libertà improvvisativa, poiché sto controllando solo il suono. Posso sviluppare un suono o un tema per ore se voglio. Questi due approcci quindi mi sembrano molto diversi, non solo tecnicamente ma anche in termini di come mi sperimento come performer.
Sei nata a Zurigo, un hub vibrante e storico per la musica elettronica, clubbing e feste. Un piccolo Paese con artisti/band incredibili come Yello, The Young Gods, Bruno Spoerri, Grauzone, Deetron, Kalabrese e molti altri che hanno avuto una grande influenza sulla scena musicale elettronica/alternativa globale da decenni. Esiste un fattore svizzero segreto che avete per creare musica così impattante?
Aha, non so! Penso che ci siano così tanti bravi musicisti in ogni paese. E non sono sicura se esista veramente un “fattore svizzero”. Per me, è molto più una questione di interesse, curiosità e passione. Dato che viviamo in un paese molto piccolo, siamo probabilmente ancora più orientati verso il mondo esterno e ispirati da molte culture diverse, e forse, attraverso questo, creiamo una sorta di mix o riapertura di tutto quello che assorbiamo da altrove.
Edoardo Grandi
